李安三部曲(国产电影哪一部电影能让人铭记于心)
李安三部曲，国产电影哪一部电影能让人铭记于心？
国产电影一直来是被人吐槽的对象，国产电影越来越不景气的气象也是有目共睹，但这并不代表以前的电影也不好。有很多国产电影也一直被称颂为电影经典。下面的10部经典，你是否都看过呢？
1、英雄本色
《英雄本色》让人们领略了“美学暴力”的魅力。吴宇森可以说是凭借此片一举成名，随后他便拍了《喋血双雄》、《纵横四海》等一系列英雄片。当时的发哥还很年轻，甚至有些清瘦，墨镜、黑风衣、最里叼根牙签，外加迷人的笑容。而那时的张国荣还很幼稚，固执、任性、血气方刚，简直就是不折不扣的小弟。这三个人，把男人与男人之间的感情刻画得入木三分，更把黑帮争斗中的暴力美表现得淋漓尽致。《英雄本色》的独特魅力还在于它塑造了小马哥这样一个经典人物，他的穿着、动作、表情、对白，都成为后人竞相模仿的对象。双枪齐发、左右开弓的小马哥，是永远的经典；断了腿落魄地在停车场里吃东西的小马哥，是永远的经典；听到豪哥用颤抖的声音叫“小马”，抬起头露出委屈表情的小马哥，是永远的经典；子弹穿过胸膛的那一刹那，更是经典中的经典。
2、红高粱
80年代末，国内的中青年电影导演开始从千篇一律走向分化，部分导演拍出了探索性与观赏性相结合的影片，《红高粱》就是这一时期最有代表意义的作品，明快、张弛有度的节奏，生动而浓烈的视觉效果，让本片不仅在国内受到了相当的瞩目，在国际影坛上也引起了极大的轰动。电影里有一片令人热血沸腾的红色，红高粱、红棉袄、红花轿、红辣椒，还有黄土高原的空旷，高粱地里热血男女的激情云雨，高昂粗野的西北嗓音。看这样的电影，你绝对不会哈哈大笑，也不会有凄惨悱恻的泪水，多的只是沉重的思考。
3、大话西游
当年，周星弛为了改变“低成本之王”的形象，主演了投资6000万的《大话西游》，不过却遭遇票房滑铁卢，让人一度对星爷的千万票房号召力产生了怀疑。然而几年过去了，《大话西游》一夜之间突然窜红，虽然有吵作的嫌疑，但是不可否认的是它的确是一部别致而经典的电影。该片在电影语言上几乎无懈可击，故事的构建，时空的转换，镜头的组接，人物的造型，动作的设计也十分成熟。没有了习惯的大嘴，没有了粗俗而满足的笑声，没有了漫天的吐沫星，周星弛第一次学会了用眼神说话，竟然透着一种怅惘与无奈，但他还是他自己。直到现在星爷的那句经典台词依旧让我铭记于心：曾经有一段真挚的爱情摆在我面前，我没有珍惜失去后才后悔莫及，人世间最痛苦的事情莫过于此。如果上天在给我一个机会，我会对那个女孩说三个字:“我爱你。”如果要在这段爱情上加一个期限，我希望是一万年!
4、甜蜜蜜
1996年，《甜蜜蜜》史无前例地在香港电影金像奖中赢得九项大奖，导演陈可辛也由此成为家喻户晓的人物。次年，该片又荣登美国《时代周刊》年度十大佳片第二名。应该说，这是一部在艺术和商业两方面都取得了极大成功的电影，既取得了很好的票房成绩，又在武侠功夫片盛行的香港完成了一次早期文艺片的回归。从1986到1995，黎小军和李翘经过十年的长跑，终于在纽约街头再次相逢，他们蓦然地站在橱窗前，凝望着电视里刚刚过世的偶像邓丽君，听着她温婉纯净的歌声。然后是李翘心有灵犀地转身，看到了黎小军就站在他面前。
5、霸王别姬
锣鼓京胡声中，一段陈年往事开始了。一部好的电影真的就是一个奇迹，从编剧，到导演，到演员，到摄影，到舞美，到灯光，即使每个环节都是一流水准，也不敢保证影片的精彩，因为电影是属于化学作应的，而《霸王别姬》就是这样一部集体燃烧的产物。当菊仙决定洗尽铅华，托身于段小楼，程蝶衣便预感到爱人的心已经游离。舞台上，霸王和虞姬别离在即，他唱“依我看来，今日是你我分别之日了”。戏中情景和现实交融，仿佛冥冥中，一切已然注定。如今，蝶衣真的离我们而去，林忆莲和李宗盛也果然当爱已成往事，再看《霸王别姬》，再听那首动人心弦的片尾曲，会别有一番滋味在心头吧！
6、无间道
在港产片最萎靡不振的低谷期，刘伟强和麦兆辉这两个香港电影人用一个构思慎密、架构庞大的剧本拯救了市场，相信多年以后《无间道》仍能被人们记住会是因为这一点。编剧是电影最基本的要素之一，但它一向是港产片的薄弱环节，而《无间道》恰恰在这方面做得很好，甚至可以说是一个被剧本养活的孩子。刘建明从镜子中看着自己，一点一点地模糊，被一种叫做“现实”的东西侵略着，感到了恐惧；天台上，陈永仁累了，所以他才说“三年之后又三年，黄SIR，什么时候才会结束”。到处都是野心，到处都是宿命，到处都是像风一样无形的人性，这就是《无间道》。
7、阿飞正传
1991香港文化界最轰动的电影莫过于这部《阿飞正传》了，虽然票房成绩一般，但王家卫独特的电影风格在本片中凸显无疑，它宣告了香港第一位国际电影大师的出现。“1960年4月16日下午3点之前的一分钟你和我在一起，因为你我会记住这一分钟。”几分轻浮几分不羁，张国荣就这么随随便便地俘获了张曼玉的芳心。“有一种鸟，它一生就在不停地飞，在空中休息，只有一次会落下来。那个时候，就是他死去的时候。”张国荣在空中飞翔的时候，全世界都在念着这句话。“如果电话丢了，那人也丢了。”张国荣躺在床上，手里握着刘嘉玲的电话号码慵懒地说。还有不得不提的杜可风，透过他肩上的那台摄像机，我们看到了梦一般的镜像。红色的花、黄色的桌布、明亮的蓝光，于是故事就变成了艺术。
8、悲情城市
这是最先表现“二二八事变”的台湾电影。日本统治了50年后仓皇而逃，留下了一个千疮百孔的社会。国民党的接管仿佛给人们带来了一线生机，于是大家高唱着“在那松花江上”，可是随后得到的不是希望而是死亡。现实的黑暗，战后的萧条，人们的愤怒，构成了一个动荡不安的时代。梁朝伟出现了。他的身份是一个聋哑的照相师，虽然英气逼人，却只能用忧郁的眼神望着周围的一切。其实候孝贤把这个角色定为哑巴，是因为梁朝伟不会说台语，但也恰好从另一个侧面展现了梁朝伟出色的肢体语言。从剧情的控制来说，候孝贤独特的镜头风格另《悲情城市》既能细致地展示每一个细节，又不脱离叙事主线，即便是跟《美国往事》之类的西方电影相比，也丝毫不显拖沓，展示了中国电影屹立于世界电影之林的底气和气概。
9、卧虎藏龙
90年代中期以后，新武侠电影随着香港电影的低迷而没落，这个时候李安拍了这部《卧虎藏龙》。看《卧虎藏龙》里的武功，就像是在听古典乐一样，江南水镇，竹林，镖局，王府，就像一个个乐章，被李安组合在了一起，形成了一道行云流水的梦的旅程。李慕白、俞秀莲、玉娇龙这三个人物的性格更被他拿捏得恰到好处，尤其是俞秀莲和玉娇龙这两个女子，一个内敛持重，一个娇蛮任性，但涉及到“情”字，却是同样的千回百转，欲吐还休。当然，《卧虎藏龙》的很多桥段都有故意迎合西方人的嫌疑，西方人喜欢它，是因为它的“与众不同的惊艳”，而中国人感受到的，无非是好的音乐和摄影。但对于这样一个拿了奥斯卡最佳外语片奖的电影来说，我们不应该单从中国人的角度来谈，即使有不足，也是瑕不掩瑜。应该说，是《卧虎藏龙》开创了武侠片的一种新面貌，在它之后，一个更细致、更有气质的武侠电影格局开始形成。
10、暗花
有很多人误以为《暗花》的导演和《暗战》一样都是杜琪峰，其实不然，它的导演是游达志，一个高级的电影“票友”。有人说，《暗花》是香港警匪片的顶峰之作，接近完美，虽然这样的评价或许高了些，但《暗花》在香港电影中的地位，便由此可见一斑。冷漠与暴力是《暗花》所独有的，整部片子给人一种诡异、另类的感觉，一开始是厚实的希望，但逐渐这希望被剥去了皮，一点点散失，直至最后突如其来的宿命感。《暗花》的配乐也颇值得称道，刘以达曾说，最好的电影配乐是听不见的音乐，不是听不见，而是完全融入了剧情当中了，《暗花》的配乐正是如此。
成龙在国际上影响力到底有多强？
毫无疑问，他是目前华人最知名的人，并且没有之一，他的名字必将载入史册，他的故事也必将被世人传唱
像什么李小龙，周星驰，李连杰，周润发，梁朝伟，刘德华等等，通通都不如他，哪怕在他去世后的一百年之内，也恐怕没有人能达到他的这份成就
他就是这个时代的传奇，你要说他的影响力有多大？我只能这么说，下到十岁，上到八十岁的人，恐怕没有一个不认识他的
前几年，我奶奶78岁的年纪了，跟他一起去超市买洗发水，我选了飘柔，她不同意，一定要买霸王的，仅仅因为这是成龙代言的而已
除了在国内享有盛名，成龙在国外也是无人不知，甚至很多“大人物”也是他的粉丝，像迈克尔杰克逊，乔丹，史泰龙，英女王，迪拜王子等等为了能跟这位偶像有近距离接触的机会，那些大人物无所不用其极，尤其是在知道成龙要来自己的地方拍戏的时候，更是竭尽所能的帮助他
成龙在拍【功夫瑜伽】时，在电影里所用的豪车通通都是迪拜王子无偿借给他的，还说撞坏了不用赔，要是不够用在多叫几辆过来，要知道那些豪车都是几百上千万的名贵跑车啊，说借就借，只因为他是成龙……在拍【机器之血】时，有一场打斗戏是在悉尼歌剧院楼顶拍的，要知道悉尼歌剧院之前可是从不外借的，更不用说在房顶打架这种了之前阿汤哥也向悉尼歌剧院说要借用一下，悉尼歌剧院直接就拒绝了，但是一听到成龙要在这里拍戏，二话没说就答应了
在拍【我是谁】时，在电影里那些坦克，直升机，大炮，军队，通通都是荷兰赞助的，不要钱，只因为他是成龙在拍【简单任务】时，电影里的潜艇和导弹通通也是真的，那是乌克兰免费给成龙提供的，还说一枚不够就在打一枚，而这一切仅因为他是成龙早几年成龙被邀请去白宫赴宴，所有人都不准带相机进去，成龙看到别人都乖乖的上交了相机，于是就问保安自己要不要上交，保安在看清楚问话的人是成龙后，连忙激动的说
：“哦，我的天啊，你是jakie chan啊，你不用上交～”还有一个非常有意思的事，是某个女明星说的，这个女星在一次出航的时候遇到了海盗，船上所有的人都害怕极了
这个女星突然灵机一动，说自己是成龙的朋友，那帮海盗听到她是成龙的朋友后，就真的停下动作没有打劫了，还放了她们一行人回去，临走的时候海盗还说：自己也很喜欢成龙的电影……
除了这些，成龙在好莱坞里也是非常知名的，要知道之前的好莱坞可是不待见华人的，可是一听到成龙要去好莱坞发展后，那些导演、明星纷纷激动不已，都希望能跟成龙合作别的电影明星去好莱坞发展还需从小做起，比如做反派，或者跑龙套，像李连杰和周润发在刚去好莱坞的时候也是从小角色做起的，只有成龙一去就是主角
成龙去到好莱坞拍戏给的片酬甚至比他们本地明星还要高，像【尖峰时刻系列】，【燕尾服】，【邻家特工】，【环游世界80天】等等，随便一部都是上千万美元的片酬，要知道那可是在二十年前啊
成龙也是奥斯卡终身成就奖的唯一一个华人，一个外国奖项，搬给一个华人，知道这代表着什么嘛？要知道连他们自己本国的明星都很少有人能拿到的最后再说几句，成龙当年还是北京奥运会第一个开口唱歌的人，知道春晚是怎么评价成龙的嘛？叫他“成龙同志”
你知道同志这两个字在我国有多大的分量嘛……有哪几部片能称为港片的巅峰？
曾经香港的电影，真的是占据了我们大部分时间。在香港电影巅峰时代，有很多的经典作品，今天小编就给大家来回顾一下这些经典作品。
1、《英雄本色》
1986年，伴随《英雄本色》的流行，香港进入英雄片时代。
电影里，周润发扮演的小马哥咬着火柴棒，在饭店里手持双枪，追杀仇人，那是一种无法模仿的霸气。
2、《旺角卡门
旺角卡门》拍摄于1988年，那一年刘德华和张学友都是27岁。
刘德华在片中是九龙旺角的小混混阿杰，为人义气，做事讲究。张学友是他年轻气盛爱冲动的小弟苍蝇。
3、《倩女幽魂》
这部电影真的很经典，可以说是哥哥张国荣的经典作品之一，王祖贤的真的很仙。巅峰时期的王祖贤，一双媚眼可以变换柔情万种。
4、《笑傲江湖之东方不败
一身红衣，嗜酒如命。林青霞塑造了一个非典型的东方不败，却美得一塌糊涂。
影片不再对原著中东方不败的性情遮遮掩掩，而是把“她”完全塑造成一个有血有肉的女魔头。
5、《大话西游》
犹记得《大话西游》在内地的流行，最早是在北京大学校园。年轻人看懂了蓝洁瑛和朱茵的美，也看懂了无厘头背后的人生道理。这部电影必然成为了经典。
朱茵眨眼，与“青霞醉酒、张敏回头、祖贤穿衣、淑贞叼牌”被并成为香港电影五个最美瞬间。
6、《喜剧之王
最经典的那句“你养我啊？！”两个小人物的爱情让人听了心酸。还有那出租车上的经典一哭，堪称张柏芝演技巅峰。
7、《东成西就
周星驰之外，喜剧片应该首推《东成西就》。在这部让人啼笑皆非的电影中，张曼玉、王祖贤、张学友、张国荣等都表现了自己搞怪的一面。
香港电影30年，讲述了影星们太多的故事，也容纳了影迷们无限的情怀。
近几年，曾经的经典纷纷重映，就像是与故人再次郑重告别
内地市场能救李安十年一觉电影梦吗？
首先，很难理解题主说的内地市场拯救李安导演的十年一觉的电影梦。
虽然李安导演真的“睡过一觉”，那也是在刚毕业于时候。1984年起，在家赋闲6年期间，李安阅读、看片、写剧本，包揽了所有家务，家庭开支则靠仍在攻读伊利诺大学生物学博士的妻子林惠嘉。
如果说真有什么拯救李安导演的，那也是他自己。是他一直以来对电影的热忱，以及坚持不懈努力挽救了他。然后凭借“父亲三部曲”一举成名，尤其是三部曲中的第二部《喜宴》，这部关于传统伦理观念的通俗剧，是一部完全以好莱坞模式制作的中国电影。该片在柏林电影节上荣获金熊奖，在西雅图电影节上获最佳导演奖，并获得了金球奖和奥斯卡奖最佳外语片提名。此外，该片还获得了第三十届台湾金马奖最佳作品、导演、编剧奖以及观众投票最优秀作品奖。
三部曲让李安导演成为了华人之光，也拓展了他在好莱坞中施展才华的空间，所以如果说，有哪部电影拯救了李安导演电影梦想的话，那一定是父亲三部曲中的《喜宴》，尽管他之后还拍了《卧虎藏龙》、《断背山》、《少年派的奇幻漂流》等一系列家喻户晓的大作，但是如果没有《喜宴》这部作品，也许就没有之后的李安，自然也没有这些获得奥斯卡认证的佳作。
说回到《双子杀手》本身，它从一开始最引人热议的就不是电影本身而是李安与技术，也就是电影宣传的噱头——4K+3D+120帧的技术。如今电影正式上映，无数网友也不可避免的提出一个相同的问题：“技术与艺术，到底是什么关系？”多数人心里会认为，技术应该服务于艺术，没有将艺术做好的情况下，技术将毫无意义。《双子杀手》正式这样一部电影。
当然，每个人对影片的感受是不一样的，而对于电影传递的东西，每个人必然都有不一样的理解。但可以肯定的是《双子杀手》不是李安最好的电影，更不会是李安人生道路中最需要那不电影。
它更像是一部试验品。
《双子杀手》不算完美，它的故事过于直白，技术无法得到完美的展示，但是这样的技术尝试于电影制作又是必不可少的。他的出现并不是仅仅在于李安，更是电影另一种形式的演变，或许现在看来意义不大，但是谁又能断定在电影演变道路上又起着怎样一种作用呢？
也救不了双子杀手的票房？
无论是在中国人眼里，还是西方人眼里，李安都是一个复杂而亮眼的存在，拥有点金石般的神奇能力。
他的早期作品，有关家庭的三部曲，成功探讨了家庭矛盾，代际冲突，伦理禁忌，文化隔阂等多重深入人心的问题；
而当他执导纯英式小说，简·奥斯汀的《理智与情感》时，竟然也取得了巨大的商业成功，获得了评论家们的交口赞誉。
从很多方面来看，他都是跨国跨文化跨领域的大师，既能拍摄出像《冰风暴》这样，展现美国20世纪70年代郊区图景的作品；又能拍摄出19世纪60年代，饱受战争摧残的美国南部图像；而《卧虎藏龙》等独特的中式美学元素的应用，意味着他不仅中西通吃，也博古通今。
他擅用东西方哲学，结合儒道佛文化，辅以个人的洞察力，和同理心，打造了无数电影文学的典范。
但就是这样一位电影大师，遭至了从业生涯的滑铁卢，最新电影《双子杀手》，被评论员们嘲笑说：两个威尔斯密斯，也拯救不了电影的票房
《双子杀手》有一些大胆的尝试，比如使用每秒120帧的超现实速度拍摄，而非传统的每秒40帧；
它努力解决了一些技术难题，并用人类对于衰老和不安全感的恐惧，作为电影的内核，试图引发观众的共鸣；
同时，他启用了全球票房保证的明星，威尔斯密斯，努力迎合观众喜好。
但即便如此，北美票房的溃败，让他的尝试之旅，充满了自砸招牌的意味。
因为从任何方面看，这部电影都很难成功。
技术上，虽然李安取得了阶段性的胜利，但是就算你的电影是用120帧拍摄的，大多数影院的配备，都只有60帧或者40帧，这意味着，他所努力追求的高清，实际呈现在观众眼前的，依然是失真，甚至是模糊不清。
这就很难说服观众，去积极拥抱3D超高清电影。
尤其是这种拍摄手法，会一定程度上削弱演员的表演能力时。
而《双子杀手》，最为人诟病的就是，无论是从情节，还是表演，都平淡无奇，老套空洞。威尔斯密斯的爆表演技，根本没有释放出来。
因为120帧拍摄，意味着在拍摄过程中，超高倍数的放大演员的面部表情，这就让演员的一些爆发性表情，也会因为太高清，太放大，而显得矫揉造作。
所以有所克制的表演，才是最保险的做法，但克制意味着，观众的情绪释放没有得到满足，李安作为心灵导演，最擅长的操纵情感的能力，得到了限制。
以至于很多西方评论家，乃至威尔斯密斯的粉丝们认为：像威尔·史密斯这样的真正明星，他的魅力甚至可以提高最庸俗的素材，如果可以的话，一部电影有一个威尔斯密斯，就得到了票房保证，但《双子杀手》有两个威尔·斯密斯，却也拯救了不了电影的平凡。李安用最先进的技术，创造了一个20多岁版本的史密斯，并标榜自己在重新定义动作电影，这些崇高的主张，最大的成就是消弱了史密斯的个人魅力，至少两次。
在电影《双子杀手》中，史密斯饰演的布罗根，是世界上最好的狙击手，替美国国防部秘密狙杀一些犯罪分子。
在他51岁时，他打算退休，因为长期做杀手，让他身心俱疲，也让他内心深处，充满折磨。
于是电影在一个令人惊艳的开场中开启，他第72起谋杀，也是最后一次谋杀，对象是列车上的一位生物学家。在高速行驶的列车穿过的瞬间，位于车外遥远距离的他，要瞬间完成狙杀任务，难度系数可想而知，在他之前的几任狙杀手，都以失败告终。
但布罗根成功了，可是他本人并不满意，因为他原本打算击中脑袋，最后却是击中脖子。他把这视为自己年龄已大，不再充满手感，无法继续从事这一工作的证明。
可是，当他退休后，他的老战友秘密告诉他，最后一次击杀的生物学家，根本不是坏人，他被灭口的真正原因是，他曾听命于布罗根的顶顶头上司，克莱·瓦里斯，为他研究和制作克隆人。也就是布罗根可能看了假的档案资料，杀了不该死的人，这让他的良心，深受煎熬。
很快，他发现自己的退休生涯不像想象的那么简单，他被监视了，他和老战友的谈话被秘密监听，老战友也因此被杀害。布罗根这个曾经的战时英雄，开始成为政府的追杀目标。
而被克莱·瓦里斯任命前来狙杀布罗根的人，是一个和他长相相似的21岁男孩。最后这个男孩被证明，是根据布罗根的基因，完美创作的复制品，拥有和他一样的射击天赋，一样的生活习惯，身体体质，也就是说，他是布罗根的翻版，一个彻头彻尾的小布罗根。
小布罗根的存在，耗费了李安大量的心思。
如果按照以往好莱坞的电影制作方法，人们要么通过化妆，让威尔斯密斯变年轻，来饰演自己年轻的分身，要么通过替身，比如威尔斯密斯的儿子，或者和他五官相似的人，同样通过化妆，打造最大程度的外貌相似性。
但李安却动用了数百名视觉效果的艺术家，开发更高的帧率、更清晰的电脑合成图像，和更精确的投影仪技术。
李安说：当你看得那么清楚的时候，有一些过去的手法不能用，比如克隆人，你光给人化个妆改个发型就叫他年轻三十岁，这个就看不通了，我就要把别的技术带进来，用数码重新创造一个角色。
把威尔·史密斯的脸放大6000倍后，特效团队赶工八个月，才最终制作出年轻版的威尔斯密斯。
这个过程相当的耗费精力。
以至于连李安本人都表示：80%的时候，你不是在和艺术打交道，而是在和障碍打交道。这是如此浪费资源。
不仅如此，还很烧钱，制作经费告急的时候，李安就把自己的薪水压进去，制片公司的利润压进去，用大量的时间，成本，精力，金钱，拼出一个满意的结果。
可是北美上映，却反响平平，在中国，也没有激发大的浪花。
李安本人却认为这是值得的，因为三维有着更为值得追求的价值。在二维空间里，电影是墙上的一幅画，它不是真实的东西，可在三维空间里，你的大脑愿意相信，事物实际就在你的面前，有着自己的形状和运动。
并且三维为这部电影，增添了很多细节效果。
比如在两个布罗根的摩托车追逐场景中，你不仅能够看到摩托车的画面，还能看到街道，以及飞翔而过的鸽子身上的羽毛。
而让李安最骄傲的一幕是，当小布罗根发现自己的存在是如此荒谬时，他崩溃大哭，你能看到他前额湿润，下唇颤抖。
通过三维，仿佛你能触摸主角的体温，体会他的脸红。
李安认为三维创造了入侵感，让观众和电影之间，不再存在安全距离。
但评论家们却认为，无论小威尔斯密斯多么逼真，他都像电影里的复制品，都是一种克隆技术的变相运用，小威尔斯密斯的眼睛里，缺乏震撼人心的眼神，他至始至终都是一个假人。
这些评论家们认为，水晶般的高度清晰，分散了观众的注意力，扼杀了电影本身逃避现实的传统意义，令人在观看过程中，充满不快和挫折。
从根本意义上，观众看电影时，想要体验的不是逼真，而是带入其中，身临其境。过分的真实，有时会令人产生不适感，甚至恐怖感。
其实，好莱坞一直很擅长处理艺术和科学的交融性问题，很多成功的案例证实，通过技术，可以更好的为艺术服务。
比如卡梅隆2009年的3D史诗电影《阿凡达》，票房接近28亿美元，而李安自己导演的作品《少年派的奇幻漂流》，也以惊人的视觉效果，取得了巨大的成功，很多迹象表明，电影制作的新时代已经来临。
但至此之后，消费者的反响却并不热烈，他们对剧情的粗制滥造感到愤怒，对笨重的眼镜充满抗拒，对额外支付的现金感到不满。
从2009到2019的十年间，3D电影消磨完人们的新鲜感后，一直举步维艰，影院也终止了对三维数字屏幕的投入，而李安的上一部电影，《比利·林恩的中场战事》，虽然收获了好评，但是票房并未能持平，很多人以为这将是李安的最后一次尝试。
但三年后，他迅速卷土重来，让人对这个说话温柔的男人，难免印象全变，李安骨子里的执着甚至执拗，开始暴露无遗。
他自己也说：
如果在《少年派的奇幻漂流》后就收手，他会拥有更好的名声。
我们是豚鼠，对于被试验的豚鼠来说，下场都不会太好。
面对记者，他不止一次的抱怨：一切都比你现在想象的要难。
但是最后，他却表示：我知道自己会被揍，但我会一直努力的。
他坚持认为，不是媒介有问题，而是方法的问题，为了全面迈向未来，必须开发新技术，从照明到相机角度，到化妆应用，全方位的技术变革。
他说，3D和快速帧速率的超现实主义，让他能够更好，更清晰，更敏感的研究演员的面部表情，像是打开了一个新的层次，一层对他们表演之外的探索。
[这不仅仅是一个额外的维度，还似乎是一种不同的心态。我仍在学习过程中，试图找出答案，因为没人能教你——如何在一个更真实，更宏大的媒介中传达一个故事，一个情景？]
他说：老实说，我觉得120帧我现在看习惯，我觉得它是正常的。不是高帧率，不是一个很奇怪的东西。我只是要把它分享给大家看，它没有那么玄。
他认为人们被洗脑，以为电影需要按传统方式完成，电影制作人需要用某种逻辑和视觉语言说话，所以他打算做一件大胆的事情，颠覆人们的想象，展开全新的洗脑。
可是他也很清楚自己目前的状态，他依然处于探索阶段，他认为多年来人们对3D技术的探索，甚至还没有触及表面。
三年前，《比利·林恩的中场战事》让他意识到，如果超现实主义会分散人们的注意力，打扰情感共鸣的产生，那么打斗片是不是可以更好呈现他的创意，更好的入侵观众的距离感，产生震撼和震惊。
但现在看来，效果不甚理想，《双子杀手》绝对不是烂片，但也没有触及一部优质电影的核心，它似乎过于流于形式，忽略了更深刻的情感捕捉。
而很多人急于把李安拉下神坛，似乎他过去神奇的魔法，对于观众不再管用。
十年后，他对3D和高帧率的最后探索结果，是如此平淡，人们等着他转头认错，承认自己在走弯路，在做不适合自己做的事情，毕竟对于电影技术的探索，人们认为《阿凡达》的导演卡梅隆，《指环王》的导演杰克逊，比李安更适合。
可李安却将目光投下了下一部电影，一部关于拳王阿里的故事，将再次承载他的技术探索。
他说：很久以来，我一直怀疑，我疯了吗？我看到的东西，只有我看到吗？但我不认为我疯了，3D技术和我之间，就像一个老练的艺术家在看一个婴儿，你必须要让这个孩子长大。
李安对于120帧的痴迷，源于《少年派的奇幻漂流》。
他不知道用何种方式，去更好的讲述这个故事，他以往的哲学方法，扁平的维度，似乎不再管用，于是他首次尝试3D ，希望多一重维度，让这个故事变得更为圆满。
他说：当我进入3D和数字世界时，我立刻意识到这是一个不同的世界，这不是我所知道的世界，我必须走出舒适区去探索。所以好奇心真的占据了我。电影已经存在了100年，我们习惯了某些事情，但3D不是对过去的模仿，这是一种完全不同的媒介，它更直接，更投入。
但是3D拍摄遇到了问题，置身相机之后的李安，无法看到主演的表情，抖动太大了，起初他以为是相机的问题，后来意识到，过去的拍摄方法，已经无法满足3D的需求，120帧率的普及，势在必行。
高帧率可以为3D的多维度，提供更多的分辨率，更多的亮度，清晰度，甚至更多的感觉。
可对于大多数导演而言，3D也好，高帧率也好，都是电影里的点睛之笔，一点点可以让电影更出彩，但大面积采用，则耗时耗力耗钱，绝对的得不偿失。
可倔强的李安不这么认为，他发现了新世界，新方法，新大陆，没有满足，没有物尽其用之前，他不会轻易罢休。
如果遇到了更好的，只是因为自己不会应用，就轻易放弃，只是因为市场没有普及，就假装它不存在，那不是李安的风格。
他说：一步一步地，从《少年派的奇幻漂流》开始，我要进入一个新的世界。有了这个，我真的渴望找到一种新的审美，一种新的技巧，一种新的照明方式，一种新的表演方式。带你进入一个不同的世界，去发现它。
他当然明白自己在本末倒置，在做一件自己既不擅长，又完全没有足够技术支撑的事情，但是他坚信：3D 和高帧率，是将人们带出起居室的关键途径。
现在越来越多的人，已经不愿意走进电影院看电影，因为移动设备的普及，家庭影院的兴起，让他们习惯了躺在床上，在私密空间里完成过去在电影院完成的事情。
但李安认为：拜佛的人会去寺庙，因为去寺庙是一种仪式，有着能量释放，灵魂净化的功效，而电影也是如此。
如果他提供一些人们以前从未见过，在家里也无法复制完成的事情，连锁反应将会发生：观众将重返影院，影院将投资数字三维放映技术，财团将重新投资导演拍摄高帧率3D，顶级导演也会展开进一步的探索。
他希望努力的是，改变整个电影世界的格局，让电影永远用一种圣洁的方式，前进的方式，存在下去。
面对外国记者采访时，他苦笑着说：它让我着迷，你可以看出我是一个压抑的人，我一遍一遍这样做，我想我在表达我们有很多共同之处，那就是我们对自己不太满意。我感觉到它触动了我的心，我一辈子无法掩盖它，我们在意识世界的工作是压抑潜意识，而潜意识可能是真正的你。
[我也拍了快三十年了，让我兴奋也不是一件很容易的事情。但这件事情让我觉得非常的谦卑，非常的无知，有时候非常无奈，可有时候又非常兴奋。所以我很有兴趣去追求它。]
[看不到就算了，看到的话，我一定想把它弄清楚。]
在观众眼里，李安一直以突破极限著称，他一直在试图走出电影的舒适区。
可是其实他的核心一直没有改变，无论是电影里还是电影外的他，一直在做的事情就是和自己较量。
在茫茫大海里漂流的少年派，要克服内心的恐惧；而51岁的威尔斯密斯，要和年轻版的自己较量，要战胜自己对衰老和不安的恐惧。
战胜自己，才一直是李安核心的人生追求。
在刻板印象中，李安是一个擅长展现电影中，能引起观众共鸣方面的导演，挖掘出深刻普遍性的导演。连《时代周刊》的评论员也表示：李安从不光顾他的角色，他把微妙而沙哑的喜剧和尖锐的社会旁白结合在一起，笑话中充满了真正的痛苦和困惑，所以苦甜的、暂时积极的结尾充满了真正的冲击力。
可这恰恰是李安一直想摆脱的。
他曾说：我当然觉得探索人际关系最自在，每次我觉得我偏离了那个方向，我总会不知怎么地回来。这也是观众们一直以来的感受。我试图摆脱这种感觉，但我做不到，这是我的感受。
他想要走出舒适区，他走了弯路却回到原点，他希望有所突破，这是一个电影创作者，想要摆脱宿命的挣扎。
有人说李安失败了，但是我却觉得，作为创作者，他是成功的。对于一直披星戴月的追梦人而言，只有暂时的失利，没有失败这个说法，更何况电影是他的热爱，你在追求的过程中，就得到了满足。
李安曾不止一次表示，他永远追求所谓的上帝时刻，或者某种程度上，抓住我们存在本质的电影时刻。
[那个时刻，那个珍贵的上帝时刻，是最艰难的时刻，一切都消失了，你在创造中。你在一个什么都不重要的地方，你很专注。我不知道那是幸福还是满足还是什么。或者是纯粹的肾上腺素。]
[我的很多电影都是关于那个时刻的。]
对于政客而言，事了拂衣去，深藏功与名，是美德；但对于创作者而言，只要身体没死，灵魂未消亡，每一秒都应致力于探索，都应用力挖掘自己的极限和可能。
因为创作，就是你人生的热爱所在，人生的全部意义。
李安的合作伙伴詹姆斯·夏慕斯，曾经开玩笑说，李安蹩脚的英语和笨拙的表演，让他很难和投资人们联系交流，但是他迫切的想要成为导演，当他第一次走进纽约的电影公司时，他说：嗨，我是李安，如果我不拍电影，我就要死了。
64岁的李安不是没有想过安享晚年，他说，我曾经不去想它，我试着假装，我花时间和妻子在一起，她可以看出我有点心不在焉。
他和妻子利用空闲时间，去缅因州徒步旅行，但在那里，他从岩石上摔了下来，弄伤了自己。他后来说：工作更安全。
没有工作，他几乎无法生活。
李安说：如果有人投资，我还是想继续拍摄120帧的电影。
他承认自己可能走的太远了，对于人们来说，一时难以适应，电影院也没有合适的设备，但是他依然认为自己没有做错，他对好莱坞对新技术的反应，感到吃惊。他们太执着于旧方式的美丽，不想离开天堂，天真无邪，令人沮丧。
他说：我一天大约怀疑三次，但从来没有动摇过。更难的方法是正确的方法，想要找到它一定很难。我不是虐待狂或者别的什么，我只是清晰意识到，我有更多材料可以运用，这很有挑战性，需要很长时间，但如果可以做好，结果会更丰富。
但他乐意成为躺在铁丝网上的海军陆战队员，这样后来人就可以踩着他，插上国旗。但当然，他更乐意一步到位地插上胜利的旗子。
李安的合作伙伴，詹姆斯·夏慕斯也表示：他希望李安坚持的拓展电影，因为电影的历史，总是由技术进步推动的。随着观众越来越倾向于呆在家里，技术的突破可以重塑观影体验。
詹姆斯说：安总是一个向着更远海岸出发的人，他从小就这样，如果你没有看到他的后脑勺，是因为他在更远的地方移动。
在解释《双子杀手》的一些概念时，李安说：有人和年轻的自己战斗。对我来说，这取决于你如何对待自己。如果你还活着，你会怎么做？将来，你想听听别人的建议，还是过你自己的生活？
在电影的结尾处，他用小威尔斯密斯的回答，表达了自己的心声：人生的一些弯路，我想自己走一遍。
正如他多年前传达的意思一样：我拍了一部女人的电影，我不是女人。我拍了一部同性恋电影，我不是同性恋。我边走边学。
你边走边学吧，李安导演，如果《双子杀手》是你失败的探索，我依然愿意给你99次机会，999次机会，直到有一天你累了，再也走不动了。
因为相比较一场好电影，我更珍视一位好导演！
文 | 小安影评社
